2012年4月 1日 (日)

3Dで味わう無限の大気

『ピラミッド5000年の嘘』を観ても、大昔の人々が、
どうしてピラミッドやマチュピチュのような
巨大な建造物を残したのかは、いまだに謎である。
時間感覚や空間感覚が、現代人とは異なっていたのかもしれない
とは思うが、ではなぜ古代人と現代人では感覚が違っていたのか
という答えは、いまだに私の中では謎である。

でも、3Dの映画を観ていて面白い発見があった。
『ピナ・バウシュ 踊り続けるいのち』(於:ヒューマントラストシネマ有楽町)は、
ピナの後継者たちの踊りを3D映像で観せてくれる。

冒頭、舞台に撒かれた黒みを帯びた砂の上で繰り広げられる踊りは、
3Dで観ると、それが舞台上であることを忘れさせてしまうのだ。
カメラが俯瞰すると、たしかにそれは舞台だと分かるのだが
カメラが水平に移動した途端、どこかの砂漠か平原での踊りになる。
すると、表現される感情もにわかに濃厚になるのだ。
そして人間のちっぽけさといったものが強烈に迫ってくる。
これは草の上での踊りでも、モノレールが頭上を走る
街中の踊りでも同様である。
コンクリートの壁に囲まれた建物の中での踊りでも
大ガラスの空間(こんなすごい空間が現実にあるなんて!)
での踊りでも同様である。

3Dは奥行きを感じさせるための技術だから
こういう感じは当たり前と言えば当たり前の話だが
ときどきメガネをはずして観ると異なる感じを受けるから、
製作者側は映像化に当たって、明らかに
ピナのいうところの「魂の踊り」を印象づけようとして
3Dの効果を狙ったのだろうということが分かる。
メガネをはずすと、奥行きは(まあ映像のぶれの問題もあるかもしれないが)
ごくふつうの映画の感じになってしまうのである。

ところがカフェを舞台にした踊りや
大きな岩の周りでの水を浴びながらの踊りは
自分もカーテンのはためきを感じたり
水しぶきをかぶるような臨場感を味わいはするけれども
舞台装置が明確な分だけ、ちっぽけ感は後退する。
これらから受ける臨場感は別のものであり、それはそれで
すばらしい経験だが、奥行き感覚とはまた別のものである。

私たちが奥行きや落差を計算する感覚というのは、
たぶん自動的に周囲の物体との関係によって行われていて
周囲に物体がある空間では無意識に
奥行き感覚を平板にしているんじゃないかという風にも思う。
(計算が難しいから???)
ところが材料になるものがないところでは、
自分と相手(自然)の落差はそのまま、というか
必要以上(?)に大きく感じられてしまうのではないか。
その落差を埋めようとしたのが、あの巨大な建造物、という仮説はどうだろうか。

3D映像の効果は2次元の世界で水をかぶったり、
高いところから落下する恐怖を味わったり、というだけでなく
ふだんの生活ではなかなか経験できない
無限の大気の中に身を置くという感覚を
呼び覚ましてくれるところにもあるのかもしれないと考えると、
ITもあなどれないなあと思ってしまうのだ。

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2011年11月21日 (月)

『見知らぬ国の踊り』

今年の千葉県民芸術祭「現代バレエ合同公演」が終わった。
リハーサルから本番まで5時間余りの空き時間を
コントロールするのは、なかなか大変だったが
本番で足が攣りませんように、と祈ったおかげか
なんとか無事終了。

今回の舞台は、ひとつの作品に
おとなとこどもの両方が登場するというもので、
タイトルは『見知らぬ国の踊り』
大地に感謝して幸せを謳歌するどこかの国、の踊りである。
ある種の桃源郷を描いたものといってもいいかもしれない。

曲は坂本龍一の『ダンスリー』というアルバムから
2曲を先生が選び、編集。
このアルバムは、先生が手首の骨折で入院していたときに
私がお見舞いに持参したもので、入院中の退屈な時間に
先生の創作意欲をかきたてるのにいいかも、
と自分のお気に入りから選んだのである。
84歳の先生の創作意欲を喚起したと思うと、気分がいい。

先生が
「みんな年を取って、激しい踊りがだんだんできなくなってきたから
今回は楽なのにしたわよ」と言うように、
振り付け自体は覚えるのにさほど苦労しなかったが、
ところどころ筋力の衰えを痛感する部分もあり、課題が見える。

出演するこどもは4歳から中学生までと幅広い。
坂本龍一のアルバムらしく、拍子とメロディーが複雑に絡む
結構難しい曲にも関わらず、特訓のおかげか
みんな実に達者である。
おとなはどうしても数で振り付けを理解しようとするが
こどもはメロディーに自分を溶け込ませて
自然に体が動いている。

それでも先生の指導は容赦ない。
腕の伸ばし方、目線といった技術的なことだけでなく
「大地に感謝する踊りなのよ」と4歳の子にも言って聞かせる。
言われた本人は分かっても分からなくても、とにかく
「はい!」といいお返事である。

一緒に出ているだけで、雰囲気が和やかになってしまう
ところは、こどもの力に負うところが大きく
その意味では、大地だけでなくこどもにも感謝である。
しかし、年を取って難しいことがこなせなくなっても、
そうやって観客を楽しませる舞台を作り上げてしまうところは
振り付け師であり演出家でもある先生の腕によるところが大きい。
こういう分野には後継者というのはいないのかもしれない。

踊り終わって楽屋に戻ったら、小さい子たちがやってきて
「楽しかったあ !」
ほんとに楽しかったのである。
先生の「よくできました」も嬉しいけれど、
一緒に踊ったこどもからこう言われるのは、それ以上かもしれない。

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2011年1月24日 (月)

『わたしはじめ』

ディペックスのアンケートを報告書にまとめる仕事を
しなければならないのだけれど、ミーティングの日程が決まらないので
とりあえず先延ばしにして、昨日のバレエのレッスンで
課題になった振り付けを考える。

今年は発表会があるとかで、このところ日曜日のレッスンは
先生が選んだ曲にめいめいが振りをつけて
踊ってみるということをやっている。
曲は植村花菜の『わたしはじめ』
最初は音に合わせて体を動かすだけだったのが、
だんだん動と静のコンビネーションになっていき、
歌詞が表現している気持ちを表現するようになり
踊りもなんだか物語のようになってくる。

課題は曲の前半半分で、時間にすると2分程度なのに
最初の頃はこれが長くて長くて、なかなか埋まらずしばしば立ち往生。
ひとつには、スタジオで聞く音質が悪く、
歌詞がよく聞き取れなかったからでもある。
でも発表会で披露することがはっきりしたので
ネットで曲と歌詞をダウンロードし、歌詞を理解しながら振りを考える。
振り全体が固まってくると、今度は曲がやけに短く感じられて
踊っているとあっという間に終わってしまい、
うっかり振りを忘れるとすぐさま置いて行かれてしまう。

あらかじめ決まっている曲とか振り付けを習得して表現するのを
たしか複製芸術と言ったような気がするが、たぶん先生としては、
そこに留まっていないで、さらに一歩先へ進みなさいと言おうとしているのだろう。
高度な振り付けを覚えて踊るのだって決して簡単なことではないが
あらかじめ振り付けられた踊りというのは、
結構論理的にできているので、慣れてしまうと案外頭に入りやすい。
振り付けというのは身体言語の組み合わせみたいなものだから、
詩や文章を暗記するのと、よく似ているのだ。

ところが自分で振りを考えるとなると、まずは音に合わせて
勝手に体が動いてしまい、身体言語はランダムな言葉の羅列として始まる。
しかたがないので、それを忘れないように紙に書きつけておくのだけど
それを意味のある文節として自分の中に修めるには
何回も繰り返して体に筋書きとして覚えさせないと
無意識に体が動くというまでにならない。
まるで新しい文法に体を慣らしているみたいな感じだ。

私の中高時代にはダンスコンクールというのがあり、
学年別クラス別で創作ダンスを競い合ったものだった。
体育の授業でも創作ダンスの授業があり、
あがり症の私にとっては人前で踊りを披露することからして
最高に苦痛に満ちた授業だったが、ただひとつ目からうろこだったのは、
複雑な振り付けでなくても充分に表現になり得るという事実を知ったことだった。
今ごろになって、それが役に立っているなんて。
これも『わたしはじめ』なんだろうか。

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2010年11月22日 (月)

『Rose』

やっと千葉・県民芸術祭第36回「現代バレエ合同公演」が終わった。
今年はぐっと演目が絞られて、
各賞表彰とモダンダンス合同作品を除く演目は10作品。
それだけに先生の指導にも熱が入る。
この『Rose』という踊りは、先生がアルハンブラ宮殿を訪れた際に
インスピレーションを得て創られた。
過去にも何回か公演がおこなわれており娘も出たことがあるが
私にとっては初めて舞台で踊る作品である。
長~いドレスの裾を踏まずにうまく踊れるか、とか
スカートを上手に持って形よく見せられるかるか、とか
課題は山積みで練習に突入。

先生の厳しい指導をこなそうとして、途中で腿の付け根の筋肉を痛め、
マッサージに通ってリハビリをする羽目に陥る。
一旦痛めた筋肉は、トレーナーの先生が言うように
なかなかすぐには元通りにならず、本当に出演できるか不安だった。
でも、おかげで運動選手の気持ちが少し分かった気がする。

今年は本番の前日に舞台稽古ができることになり、
早めに場当たりができたのは助かったが、出来は散々で
われながら落ち込んでしまった。
「どうだった?」と夫に聞かれて「全然ダメー」と答えたら
観に行く予定の夫の方が心配になったらしく
一生懸命慰めてくれているみたいなのがおかしかった。

前日の夜は、ベッドの中で踊りのシミュレーションをしているうちに眠れなくなり
しかたがないので、夜中に公演のビデオを見直して音と動きを確認して
やっと4時間ほど眠ることができた。

当日は午前中にリハーサル。
位置取りを再度チェックし本番どおりの照明の中でおこなう。
前日の舞台稽古よりはよかったみたいだが、
私自身は集中できていなくて、ところどころでボロが出ているのが分かる。
でも先生はここへきてからは、何にも言わない。
あとは自分で何とかするしかないのだ。
これから18時の本番まで、身体をアイドリングさせながら
集中力を高めていってミスをしないで本番を終わらせなければならない。

他の作品のリハーサルを見ながら少し居眠りをし、前日の睡眠不足を取り戻す。
途中下手に引っ込んでから上手へ移らなければならないが、
舞台の後ろを通れることになって、少しホッとする。

そして本番。
暗い状態で鳴り始める音に少し戸惑うが、明るくなるにしたがって落ち着く。
仲間のドレスの赤い色を、きれいだなあーと思っている自分がいる。
ひとつひとつのポーズを丁寧に踊ることに集中していると
不思議なことに、いつもに比べて時間がゆっくり流れている感じがする。
こんなにゆっくりな音楽だったっけ?という感じだ。
鬼門だったターンの部分もゆったりとそつなく踊ることができて
それなのに、下手に引っ込んだときには、あっという間だったなと感じる。

最後の場面は舞台裏を通って上手に移り、そこから出て行く。
一番最後のスカートの美しさを見せる難しい部分は
練習でも、舞台稽古でも、リハーサルでも、なかなかうまく出来なかったのに
本番では成功し(足が見えてしまったかもしれないが)、
ラストは全員で闇の中に消えて公演は終わった。
先生が言うように、観客を呼吸でひきつけられたかどうかは定かではないが、
自分だけでなく、踊り全体が落ち着いた雰囲気だったのは感じとれた。
何より、途中で足がつったり転んだりというアクシデントで
迷惑をかけることもなく無事に終了してよかった!

観に来ていた仲間の「見ていて涙が出ちゃった」と言うセリフは割り引くとしても
終わったときの夫のホッとした表情は、観る側に何かを残したということだろう。
先生に怒鳴られまくった甲斐があったというものである。

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2009年11月28日 (土)

ふるさとの今

芸術祭の本番は、なんとか無事終了。
佐渡に流された流人の心情を表現した、この創作バレエ「望郷」で
私が一番好きなところは、内面の葛藤を表現している部分だ。
振り付けでこんな風に、人の心情を表現してしまうところに
先生の才能を感じるが、その振り付けをこなせる踊り手は必ずしも多くない。
踊りには技術だけでなく、心情の理解が必要で、
それには人生経験も求められるからかもしれない。
芸術祭では、同じ教室の若手が振付けた、
こどもたちのプログラムもなかなか見どころが多かった。
小さい時から訓練を受けているこどもたちは、
手や足の先まで基本に忠実で、それ自体が表現になっている。
でも先生も言うように
「下手をすると体操みたいになっちゃうから、
表現という部分では、まだ関わらないといけない」
体操みたいなバレエは多いが、そこに表現するものがなければ
踊りとは言えないのだろう。

翌々日はディペックスのインタビュアーへのインタビュー。
一番バッターは臨床心理士のSさんだ。
患者の語りを聴いているだけでは分からないことが、いろいろ見えてくる。
1時間ちょっとのインタビューを終えた彼女から
「うわあ、よくしゃべったなあ。インタビューを受けるってこんな感じなんですね」
という感想を聞き、何だか面映い気持ちになる。
ここからどんな成果が出せるか、まだ皆目見当がつかないが。

その2日後は前の会社の部下からの誘いで
表参道の『フェリチタ』でパスタランチ。
9種類の前菜と猪肉の入ったパスタが、なかなかgood。
今年2月に入ったという新人も交えて、昔話や仕事の話に花を咲かせる。
この会社には優秀な若手が沢山いたものだが、
派手だったり威勢のいい連中は、まるで一過性の台風のように
どこかへ去って行き、今まで残っているのは、
地味な、あるいは地道にやってきた連中で
それは私が評価していた人たちでもあり、よかったなと思う。
(別に私が会社の行く末を考える必要はないのだけど)
でも、どこでもそうだろうが、誰もがむやみに忙しそうで
疲れているみたいに見えるのは気の毒だ。

せっかく表参道まで来たのだからと、この日は原宿まで歩く。
表参道と明治通りの交差点は、30年前と同じように賑わっているが、
ラフォーレの前には大きなファッションビルが建ち、
その中に娘がときどき覗くという『はんじろう』という
古着屋があるので寄ってみることに。
このビルの3階と4階で店舗展開をしており、
つるされている服を見ていると若い連中の嗜好が分かって面白い。
古着なのに、同じ物が結構な枚数あるのは
買ったはいいけど、手放す人も結構多いということか。
まるでお金が流通するみたいに服が流通している
というのが、なんだか妙におかしい。
そのうち服も物々交換したらいいんじゃないかと考えたりする。
古着屋は地下にもあって、この『Kinji』という店で息子用のシャツを購入。

原宿は30年前からずっと通勤で乗り降りしていた街だけれど
今歩いていても、昔を感じさせないのは、
新しいビルが建ったり、古いビルがなくなったりして
街自体に、しょっちゅう新陳代謝がおこなわれているからだろう。
それにしても、そんな風に変化が激しい街の中にいる
自分に違和感がないのはなぜなんだろうと不思議な感じがする。
私の仕事は人が相手の仕事で、それが街と同じように
自分を常に「今」に留めておこうとしているからだろうか。
原宿というそういう街が、ふるさとになってしまったからだろうか。

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